“El
teatro pot ser practicat per qualsevol persona, en qualsevol lloc...” Augusto Boal.
Teatre
de l’oprimit: es tracta d’una formulació teórica i mètode estètic que reuneix
un conjunt d’exercicis, jocs i tècniques teatrals que pretenen la
desmecanització física i intelectual dels seus practicants.
Aquest mètode ha segut sistematitzat pel dramaturg brasiler Augusto Boal als anys 60.
Boal parteix del principi que el teatre, com llenguatge ,
pot ser usat per qualsevol persona tan aviat com s'apropiï dels mitjans
de producció del mateix. A través d'una sèrie d'exercicis, jocs,
tècniques (teatre imatge) i formes teatrals (de les quals el teatre
fórum és el més utilitzat) es busca conèixer la realitat per a
transformar-la, com en la pedagogia de l'oprimit de Paulo Freire.
En aquesta forma teatral, no hi ha lloc per a l'espectador passiu. Es
trenca la divisió entre actor-espectador i les seves tradicionals
funcions, l'espectador passa a l'acció, a l'escenificació.
Dentro
de las diferentes expresiones artísticas, el teatro es una de las artes a las
que menos personas asisten. Ésta cifra ha ido a peor en los últimos años debido
a que cada vez hay menos oferta desde los municipios. En algunos pueblos existe
una política cultural más fuerte con respecto al teatro que en la ciudad,
aunque normalmente suele estar dirigida al público infantil. El teatro para
adultos no consigue llegar a toda la población, aunque hoy en día aumenta la
existencia de salas pequeñas que fomentan la creación y difusión de obras
teatrales.
Al
analizar el proceso de producción de una obra teatral, nos damos cuenta de que
se requiere un elevado coste para la misma, que es necesario amortizar a lo
largo de la vida útil de la obra. Por
esto suelen ser personas con mayor poder adquisitivo las que asisten al teatro.
La
producción teatral tiene 4 fases:
1.Fase de información y elección
de la idea.
2.Planificación.
3.Producción y montaje.
4.Explotación.
El
principal problema de las producciones teatrales son los elevados costes de
producción.
Dentro
de los gastos tendremos en cuenta: salarios; facturación externa; autor;
producción y montaje; administración y gastos generales; promoción y marketing;
costes de explotación.
Dentro
de los ingresos: taquilla; caché; alquileres y servicios; derechos de autor;
subvenciones (públicas); patrocinios; merchandising.
La intervención
a llevar a cabo en las artes escénicas es la siguiente:
Al
hablar de lenguaje audiovisual aceptamos que se trata (como todos los
lenguajes) de una serie de normas y convenciones establecidas.
Estas normas
han ido estableciéndose a lo largo de la historia del lenguaje audiovisual, que
realmente podemos considerarlo joven, ya que sus comienzos datan de 1895 cuando
se inaugura el cine oficialmente como espectáculo, en París.
Se
considera a David Griffith como el creador del lenguaje audiovisual y precursor
del cine moderno.
En clase,
como iniciación, hablamos y vimos ejemplos sobre:
-
Escalaridad de planos: Gran plano general, plano general, plano entero, plano
americano, plano medio, plano corto, primer plano, primerísimo primer plano y
plano detalle.
- Movimientos
de cámara: panorámica, travelling, zoom (que es un desplazamiento de la óptica,
no de la cámara).
- Angulación
de cámara: picado, contrapicado, cenital y nadir.
-
Elipsis: espaciales y temporales (flashback, flashforward).
También
vimos un poco acerca de la importancia del sonido, lo que pienso que estuvo muy
bien, porque la gente por lo general no le da importancia al sonido. Vimos cómo
se realiza el Foley, que es una técnica de reproducción de sonidos para la
post-producción de audio.
Luego vimos
algunos ejemplos:
En la película de Funny Games, donde se produce una
escena de violencia que queda fuera del campo de la imagen generando una mayor
tensión que si viésemos la situación de forma explícita.
También vimos el
comienzo de Ciudad de Dios, donde utilizan muchos planos en contrapicado y una persecución
de una gallina que requiere muchos movimientos de cámara (también es interesante
en esta película el montaje).
Vimos también un ejemplo de Alfred Hitchcock en
la película Vértigo, donde, desde un plano cenital se produce un desplazamiento
de la cámara, a la vez que un desplazamiento de la óptica (zoom) creando una
sensación de vértigo real que no es posible ignorar por el espectador.
Y por
último otra vez a Hitchcock en La Ventana Indiscreta, en la que predominan los
planos subjetivos, ya que el protagonista está encerrado en casa por culpa de
una escayola.
Me
habría gustado ver muchos más ejemplos, ya que creo que es donde la teoría se
ve mucho más clara.
Y ya
que hablamos de este tema, me gustaría compartir un cortometraje de Isaac
Berrocal en el que trabajé hace unos años como auxiliar de sonido en Madrid,
gracias a mi amigo y técnico de sonido Davit Benavent, y que ha ganado muchísimos premios porque se
los merece.
“El arte es una
forma de comunicación simbólica mediante la cualel artista representa y ordena objetos,
signos, sonidos o hechos de una manera que probablemente implique significados
o despierte emociones”.
Las artes como
concepto es una forma de expresión, que puede ser de diversos tipos (plástica,
musical, gráfica, audiovisual, etc.), mediante la cual el artista busca
transmitir emociones o pensamientos.Esta transmisión y experimentación de emociones, se consigue en la
interacción de la obra de arte con el espectador, y puede ser muy subjetiva, ya
que cada persona puede percibir la misma obra de arte de diferentes maneras. Por
eso es muy importante como animadores transmitir lo que el autor de la obra
intenta transmitir y porqué lo hace de esa manera.
La calidad en
las obras de arte también es un poco subjetiva, ya que no existen parámetros
científicos o técnicos, pero la obra de arte tiene que conseguir la valoración
del público, de los críticos y de otros profesionales del mismo sector para ser
considerada como una obra de calidad.
Las artes son un
elemento con una capacidad transformadora para la vida y para la sociedad ya
que contribuye al desarrollo individual y colectivo. Mediante proyectos
culturales podemos fomentar la creatividad, la imaginación, la socialización,
la comunicación, etc.
Como animadores
debemos conocer las líneas de intervención a la hora de trabajar las artes:
1.Posibilitar el acceso a la creación: mediante
actividades, talleres y conocimiento de técnicas creativas. Formación
especializada.
2.Reforzar a los creadores: dando información,
servicios, ayudas y subvenciones.
3.Difusión de las obras: creando actividades para la
exhibición de las obras.
Y todo esto sin
dejarnos arrastrar por nuestros gustos personales, ya que es necesario ofrecer
variedad a los espectadores, para que conozcan obras de arte, técnicas de
expresión y artistas que no conocían de antes, para desarrollar también una
actitud crítica y abierta frente al arte, favoreciendo la curiosidad, la
creatividad, la experiencia y experimentación.
Teatre
de l’oprimit: es tracta d’una formulació teórica i mètode estètic que reuneix
un conjunt d’exercicis, jocs i tècniques teatrals que pretenen la
desmecanització física i intelectual dels seus practicants. 
Boal parteix del principi que el teatre, com llenguatge ,
pot ser usat per qualsevol persona tan aviat com s'apropiï dels mitjans
de producció del mateix. A través d'una sèrie d'exercicis, jocs,
tècniques (teatre imatge) i formes teatrals (de les quals el teatre
fórum és el més utilitzat) es busca conèixer la realitat per a
transformar-la, com en la pedagogia de l'oprimit de Paulo Freire.
